물질주의를 피하고 원시 감정의 우위성을 주장한 심오한 철학적 남자는 아마도 우리 모두 인생에서 로스코의 원리를 조금 더 다룰 수있을 것입니다. 그의 가장 큰 두려움을 포함하여 아티스트에 대해 알아야 할 10 가지 사항이 있습니다.
개별 경험이 핵심
Rothko는 그림에 대한 개인의 개인적인 경험의 중요성을 강력하게 믿었습니다. 그의 비전에서, 시청자는 캔버스에 직면했을 때 감정적 취약성 및 전체 수용력 상태 인 로스코의 감정적 상태와 유사하게 그의 스튜디오에서 캔버스를 그렸을 때 깊이 명상적인 관계에 빠지게 될 것입니다.
그의 스튜디오 인 1964 년의 마크 로스코 (Ca Rothko) © cischrome © Hans Namuth / 미국 국립 초상화 미술관
색상의 주인은 "색깔에 관심이 없습니다"
Rothko가 컬러 필드 운동을 개척 한 것은 그의시의 적절한 죽음 이후 많은 비평가들에 의해 논쟁의 여지가없고 획기적인 것으로 묘사되었습니다. 화가 자신에게 색상은 미적이거나 장식적인 저류에 줄무늬가있는 시청자에게 감동적인 감정적 인 반응을 향한 수단이었습니다. Rothko는 그의 예술적 실천을 구현하는 유명한 성명에서“만약 당신이 색의 관계에 의해서만 움직여지면 요점이 없습니다.”라고 말했습니다.
루디 버크 하르트 (Rudy Burckhardt, 1914 ~ 1999), 1960 년 뉴욕, 마크 로스코 (Mark Rothko), 버팔로 올브라이트 녹스 미술관, 젤라틴-실버 프린트 제공 (Seymour H. Knox Jr. 제공)
중요한 유일한 반응은 감정적입니다
Rothko는 원시적 인 인간 반응, 또는“기본 인간 감정 비극, 황홀경, 운명 등”에 사로 잡혔으 며 이것이 그의 그림에 반응하는 유일한 '올바른'방법이라는 것을 알았습니다. 그녀가 캔버스에 접근 할 때, 관객은 그림을 지적 의미로 해석하거나 이해하려는 욕구를 제거하고 작곡에 새겨진 감정에 감동을 받아야한다. 궁극적으로 Rothko는 이것을 화가와 시청자가 거의 같은 캔버스에 직면하면서 초월 적으로 일련의 감정을 공유하는 상태로 보았습니다. 점점 더 지능화 된 1950 년대와 1960 년대 예술의 맥락에서, 이 접근법은 독창적이면서도 논란의 여지가있었습니다.
Mark Rothko, Untitled (Seagram 벽화 스케치), 1959 년, 캔버스에 오일 제공 Courtesy Gemeentemuseum den Haag
그의 그림을“아름다운”이라고 부르지 마십시오
그의 그림을 장식적인 목적으로 사용하는 것은 예술가로서 로스코의 가장 큰 두려움이었다. 그는 개인적으로 하나를 팔 때마다 새로운 소유자가 그림을 액세서리로 사용할 것인지 중심으로 사용할 것인지를 측정하기 위해 캔버스에 대한 구매자의 반응을 연구했습니다. Rothko의 우뚝 솟은 최면술 작품에는 명백한 아름다움이 있지만, 그것을 보는 그의 처방 된 방법은 미적 고려에서 당신의 마음을 비우고 말 그대로 그리고 비 유적으로 움직이는 것으로 인식하는 것입니다.
Mark Rothko, Untitled, 1955, Canvas on Court Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothko의 초기 작품은 비 유적입니다.
그의 초기 작품은 결정적으로 비 유적이며, 결국 그가 알고 있던 광대하고 추상적 인 작품과는 거리가 멀다. 지하철 장면, 고대 신화에 대한 해석, 반 인간 인물 연구 및 목회 환경은 겉보기에는 관련이없는 것처럼 보이는 주제를 취합하여 모아서, Rothko의 다음 단계에서 모호한 추상화가되었습니다. 이 작품들과 그의 후작들 사이의 한 가지 연결점은 똑바로 수직선에 대한 화가의 눈에 띄는 문제, 몸은 위로 뻗어 있으며 전재 열은 모두 Rothko의 성숙한 작품을 기대합니다.
Mark Rothko, Untitled, 1947, 캔버스에 오일 제공 Courtesy Gemeentemuseum den Haag
검은 색은 절대 검은 색이 아닙니다
보다 구체적으로, Rothko가 사용하는 검은 색은 어두운 색조의 다차원 평면이며 일반적으로 그림의 나머지 부분에 매우 미묘한 채색을 부여하는 다른 색조 위에 또는 옆에 배치됩니다. 늦게, 일반적으로 어두운 작품에서도, 검은 층은 밑에서 반투명 한 색의 번쩍임에 의해 움푹 들어가서 초기 인상을 넘어서 공기와 싸우고 있습니다.
Mark Rothko, Untitled, 1953, 캔버스에 혼합 매체 제공 Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothko의 그림은 가장 비싼 작품 중 하나입니다.
Rothko의 Orange, Red, Yellow (1961)는 경매에서 팔린 가장 비싼 전후 5 대 회화 중 하나입니다. 2012 년 Christie 's New York 경매에서 엄청난 8, 690 만 달러를 가져와 2007 년 Sotheby 's에서 7280 만 달러에 구입 한 White Center (Yellow, Pink, Lavender on Rose)와 함께 아티스트의 이전 기록을.습니다. 반 고흐의 창포 (1889 년)는 1987 년에 5 억 5 천 9 백만 달러에 팔렸습니다.
돈은 Rothko의 드라이브가 아니었다
오늘날의 예술 사업에서 그의 그림으로 얻은 기록적인 가격에도 불구하고 번영과 명성은 Rothko의 우선 순위에 포함되지 않았습니다. 이른바 시그 램 커미션은 훌륭한 예입니다. 1958 년 6 월 Rothko는 뉴욕의 새로운 Four Seasons Restaurant 소유자로부터 커미션을 수락하여 인테리어 용 벽화 세트를 제작하고 관련된 모든 스타 캐스트를 보완했습니다. 레스토랑 디자인에 Mies van der Rohe와 Philip Johnson이 있습니다.
Rothko는 자신의 가장 유리한 임무를 처음 수락 한 후 약간의 설명만으로 계약을 갑자기 중단했습니다. 그는이 프로젝트가 예술가로서의 청렴성을 훼손하고 고급 식당 분위기에서 그림을 순수하게 장식 할 것이라고 생각한 것 같습니다.
시그 람 벽화 호의 Gemeentemuseum den Haag
Rothko의 나중에 작품은 어둠을 향해 중력
그의 경력의 후반 단계 인 1960 년대에 Rothko의 그림은 어두운 곳으로 향하기 시작했습니다. 색상이 중심을 차지하는 생생한 캔버스에 대한 그의 초기 초점에서 완전히 전환되었습니다. 1970 년대 겨울 많은 사람들이 자살의 징조로 여겨지는 점에서 짙은 회색과 니어 블랙이 팔레트를 지배하기 시작했습니다.
Mark Rothko, 1964 년 7 월 7 일, 캔버스에 혼합 매체 제공 Courtesy Gemeentemuseum den Haag
