언뜻보기에 Wassily Kandinsky의 작품은 혼란 스러울 수 있습니다. 어떻게 다른 이질적인 그림이 한 예술가에게서 나왔을까요? 오데사에서 태어난 그는 러시아에서 10 월 혁명과 독일에서 나치의 부상을 경험 한 후 남은 생을 살기 위해 파리로 갔다. Kandinsy의 작품은 놀라운 변화를 겪었습니다. 아래 10 개의 그림은 증거를 보는 좋은 방법입니다.
데어 블라 우에 라이터 (1903)
Kandinsky는 최초의 순수 추상 회화를 만든 것으로 유명하지만 Der Blaue Reiter는 그렇지 않습니다. 1903 년에 완성 된이 그림은 프랑스 인상파와 점묘주의의 영향을 보여주는 그의 초기 작품의 좋은 예입니다. 이 작품은 특히 다른 이유로 기억 될 것입니다. 1911 년 칸딘스키는 독일과 러시아의 예술가 중 한 명으로 Der Blaue Reiter 또는 The Blue Rider라는 그룹을 발견했습니다. 전시회-이 그림의 이름을 따서 그룹 이름을 지을 가능성은 낮습니다.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
무르 나우, 기차와 성 (1909)
칸딘스키의 그림은 점점 더 추상적이 될 것이며, Murnau, Train and Castle을 사용하면 그 길을 따라 멈출 수 있습니다. 칸딘스키는 1909 년 유럽을 여행 한 후 바이에른의 작은 마을 인 무르 나우 (Murnau)에 정착하기로 결정한 후이 그림을 그렸습니다. 이 그림에서, 당신은 여기의 형태 자체가 여전히 명확하지만, 형태가 형성하는 형태만큼 색상이 얼마나 큰 역할을하는지 볼 수 있습니다. 기차와 성은 배경의 다양한 요소와 마찬가지로 분명합니다.
무르 나우, 기차 및 성 Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
라이더 (1911)
칸딘스키가 블루 라이더 그룹에서 시작한 1911 년의 그림 인 라이더는 특히이 작품이 위의 Der Blaue Reiter와 매우 유사하다는 점에서 이전과 이후의 작업을 비교하고 대조 할 수있는 좋은 기회를 제공합니다. 말과 라이더는 여기에서 명확하지만 이전 그림에서 볼 수있는 작은 디테일과 배경 장면이없는 선과 색상 일뿐입니다. 이것은 실제로 그 시대의 덜 추상적 인 작품 중 하나이지만 여전히 동일한 에너지와 힘을 포착합니다.
라이더 © Wassily Kandinsky
즉흥 27 (1912)
음악계에 일반적으로 사용되는 용어로 종종 그림을 언급 한 칸딘스키에게“개량”은 자발적이고 계획되지 않은 작품이지만“조성”은 더 복잡하고 계획적이었습니다. 그의 용어 사용은 우연이 아니었다. 예술 이론가로서 그는 음악과 추상 예술이 순수한 느낌과 감정에 도달 할 수있는 방식 사이에 많은 부분이 연결되어 있음을 알았습니다. 즉흥 27은 '사랑의 정원 II'라고도하며, 표현하는 것에 새로운 잠재력을 부여합니다.
즉흥 연주 27 © Wassily Kandinsky
작곡 VI (1913)
컴포지션 VI는 칸딘스키가 특정 이미지, 특히 물로 인한 묵시와 세례와 중생을 하나의 거대한 그림으로 가져 오려는 추상 작품입니다. 그는 길을 따라 가면서 블록을 만났는데, 친구의 조언을 받아 '홍수'(überflut)에 대한 독일어 단어를 반복해서 반복하면서 소리를 들었지만 의미는 무시했습니다. 이로 인해 그는 작품에 대한 자신의 생각에서 벗어날 수 있었고 그 돌파구는 3 일 만에 완성되었습니다.
구성 VI Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
작곡 VII (1913)
작곡 VII는 Blue Rider 시대의 정점입니다. 그의 마음은 그가 그린 가장 복잡한 작품이었습니다. 그 이전의 작품들과 마찬가지로, 이 그림은 칸딘스키의 작품들과 같이 매우 영적인면을 가지고 있습니다. 그는 그림을 통해 자신과 시청자 사이에 영적인 연결을 만들어내는 것을 의미했습니다. 도관은 양쪽에서 비슷한 감정을 불러 일으켰습니다. Kandinsky는 모양과 색상이 튀는 것처럼 보일 수 있지만 각 색상에 대한 의미를 발견하여 큰 목적으로 결합했습니다.
작곡 VII Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
포인트 (1920)
포인트를 사용하면 칸딘스키의 그림의 다음 방향을 볼 수 있습니다. 점진적으로 형태가 더욱 기하학적이되었으며 Points는 이러한 기하학적 형태를 어떻게 생각했는지 잘 보여줍니다. 이 당시 그의 그림의 두 가지 주요 요소는 선과 요점이었습니다. 둘 다 그의 이론에서 추가적인 의미를 취했다. 점은 그림의 형태 일 뿐이며 특정 색상, 크기 또는 모양으로 제한되지 않습니다. 선은 도구, 붓 또는 연필에 특정 방향으로 힘을 가한 결과이며 선의 방향과 곡선 (또는 부재)은 칸딘스키에게 특별한 의미를 지니고 있습니다.
포인트 Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
화이트 II (1923)
그의 가장 유명한 작품 중 하나 인 On White II는 1923 년에 그려졌으며 (1920 년에 그려진 Points 3 년 후) Kandinsky의 기하 그림이 비교적 짧은 시간에 진행된 발전을 보여줍니다. 선은 더 선명하고 형태는 더 선명합니다. 그러나 모든 선과 색상이 서로 결합했을 때의 의미에 대한 Kandinsky의 이해에 의해 결정되었습니다. 그를 위해 흰색은 완전한 침묵과 완전한 가능성을 상징했으며 흰색과 검은 색은 두 번째 색상 대비를 형성합니다.이 작품에서도 볼 수 있습니다.
화이트 II © Wassily Kandinsky
여러 원 (1926)
여러 원은 Kandinsky가 색상을 사용하는 방식으로 유명합니다. 완벽한 원이 겹치고 색상이 혼합되어 완전히 새로운 원을 만듭니다. 검은 배경도 중요하다 – 그에게는 검은 상징, 가장 간단하게는 죽음, 또한 절망과 무의미. 그러나 다른 색상은 작품의 전체적인 인상에 추가되며, 처음에는 불꽃이나 행성처럼 다소 화려하고 밝게 보입니다. 그들은 그들 각각의 의미와 그들 사이의 조합을 가졌습니다. 예를 들어, 파란색은 Kandinsky에게 하늘에 속한 색이며 깊은 평온 감을 불러 일으켰습니다.
여러 서클 Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
